Beau tiene miedo
Después de provocar al público con El legado del diablo y Midsommar, Ari Aster continúa su exploración creativa con una tercera película en que va un paso más allá de su visión del horror, para sumar la comedia más negra y lo surreal a la verdadera pesadilla que experimenta su protagonista.
Un hombre de mediana edad, de trato tímido y voz apagada, que en tres horas de metraje encara sus temores más profundos, en especial la opresiva relación que tiene con su madre. Una apuesta de Aster tras alcanzar la libertad expresiva, gracias al éxito de sus anteriores piezas de “terror elevado”.
Una última denominación que algunos encuentran snob y lo sitúa junto a Jordan Peele (¡Nop!) y Robert Eggers (La bruja), que claramente con Beau tiene miedo él busca dejar atrás. Tal vez para no ser encasillado y reinterpretar el horror con la arriesgada historia de Beau Wassermann (Joaquin Phoenix).
Una aventura por momentos inclasificable que se inicia con una escena algo oscura, que luego se reconoce como un nacimiento visto desde los ojos del bebé. Para luego conocer al antihéroe del relato y el peligroso barrio en que vive, donde correr por su vida cada vez que sale de su departamento.
El que al parecer sólo abandona para visitar a su psiquiatra y visitar a su madre. Un viaje que se vuelve urgente cuando recibe la noticia de que ella murió en un extraño accidente hogareño. Sin embargo, el regreso a la casa materna se convierte en un calvario para el protagonista.
Hasta los huesos
El amor y la provocación son esenciales en la filmografía de Luca Guadagnino y también son claves en Hasta los huesos, mezclados con una road movie y el canibalismo. Sí, el canibalismo, ya que su séptima cinta lleva a la pantalla Bones & all, novela sobre un romance entre adolescentes antropófagos.
Lo que el director italiano realiza bajo la guía del potente, pero a la vez taciturno guión de David Kajganich, que tiene su mejor complemento en la fotografía de Arseni Khachaturan. Sin olvidar la música de Trent Reznor y Atticus Ross, y las actuaciones de Timothée Chalamet y Taylor Russell.
En especial el trabajo de Russell, quien se convierte en el hilo conductor de la trama bajo la piel de Maren Yearly. Una jovencita que en los 80 vive con su padre y como cualquier chica de su edad asiste a la secundaria, donde trata de hacerse un lugar después de haber llegado hace poco.
Sin embargo, la noche que va a una pijamada ocurre algo inusual: muerde y desgarra el dedo de una invitada, ante lo que su papá decide huir con ella de Virginia. Algo que han hecho antes y los ha llevado a deambular por diferentes ciudades, mientras ocultan la verdad sobre la chica.
Pero pronto es abandonada por su progenitor, quien le deja unos dólares, su certificado de nacimiento y un cassette donde le habla sobre los motivos de su huída: el canibalismo que ella arrastra desde su infancia. Una condición que la deja sola y decidida a encontrar a su madre o algo sobre ella.
Sobrevivientes después del terremoto
Esta película, titulada de forma original como Concrete utopia -la utopía del hormigón-, fue dirigida por Um Tae-hwa (Vanishing time), quien tuvo además la misión de convertir en guión, junto a Lee Shin-ji, la segunda parte del popular webtoon, o historieta digital, Pleasant outcast, de Kim Soong Nyung.
Haciendo que el desastre que aísla a los estudiantes de una escuela en el webcómic, se transforme en la interesante historia de un grupo de vecinos después de un gran sismo, que se desarrolla a lo largo de poco más de dos horas y expone la mejor y peor cara del ser humano ante una catástrofe.
La cual se conoce rápidamente, luego de una breve introducción que deja en claro la importancia de los departamentos para la sociedad de Corea del Sur, donde tener un apartamento es símbolo de éxito y en el filme es también signo de una suerte increíble para un grupo de personas.
Esto después de que un terremoto asola Seúl y entre los escombros y la destrucción se yergue el edificio Hwang Gung, un condominio que de forma sorprendente se mantiene de pie para alegría de sus residentes. Pero pronto los sobrevivientes de otros rincones llegan allí en busca de refugio.
Sin embargo, la falta de alimento y la poca solidaridad hace que los vecinos echen a los que no viven ahí, teniendo como cabeza del desalojo a Yeong-tak (Lee Byung-hun), el heroíco delegado que se convierte en líder de los habitantes de Hwang Gung, entre los que se cuentan Min-seong (Park Seo-joon).
Zona de interés
Muchas veces las películas inspiradas por novelas son descritas como “lejanamente basadas en”, una especificación que en el caso de Zona de interés es precisa y necesaria, ya que la devastadora película de Jonathan Glazer se inspira en la novela de Martin Amis de 2014, pero traza su propio camino.
Lo que consigue teniendo como base la esencia de La zona de interés -el título del libro tiene artículo- y redibujando su entorno y personajes, optando por las figuras reales tras ellos. Así, en lugar de los literarios Paul Hannah Doll, Glazer pone como protagonistas en quienes se basaron: Rudolf y Hedwig Höss.
La pareja conformada por el cruel oficial de las SS, que pasó a la historia como comandante del campo de concentración de Auschwitz, y su esposa y madre de sus cinco hijos, los que encarnados por Christian Friedel y Sandra Hüller, guían un relato donde lo monstruoso se vuelve cotidiano.
En el que el realizador ofrece su mirada al horror del holocausto judío, optando por el simbolismo y hacer del sonido su referente, en contraste con las imágenes, donde son claves la banda sonora de Mica Levi, el diseño de sonido de Tarn Willers y Johnnie Burn, y el guión del mismo Glazer.
Parte esencial de una sucesión de escenas donde el principal entorno es la casa de los Höss, a un costado de Auschwitz, y los paisajes y zona boscosa que la rodea, como la orilla de un lago bucólico en que al inicio del relato se presenta al comandante, Hedwig y sus cinco hijos en una tarde de relajo.
Anatomía de una caída
La francesa Justine Triet, como directora y guionista, dio vida a esta película que combina el suspenso legal con el drama de un matrimonio en crisis. Una mezcla que se revela con el paso del metraje, ya que su partida está enfocada en una muerte que puede ser un suicidio, aunque también un asesinato.
Un relato de múltiples capas y una tensión subyacente y sigilosa, donde son claves las actuaciones de Sandra Hüller y Milo Machado Graner, quienes encarnan a la escritora alemana Sandra Voyter y su hijo Daniel, que tiene una visión reducida y se desplaza con la ayuda de su perro Snoop.
Los cuales al inicio del relato se encuentran en su casa familiar en los Alpes franceses, junto a su marido y padre, respectivamente, Samuel Maleski (Samuel Theis), quien también probó suerte en la literatura, sin el éxito de su esposa, por lo que ahora está enfocado en sumar cuartos para arrendar.
En medio de una aparente paz familiar que muestra sus primeras fisuras cuando Sandra está siendo entrevistada por una estudiante y Samuel pone música a todo volumen. Pero la fractura se vuelve abismo luego de que Daniel regresa de un paseo y descubre el cuerpo de su padre sobre la nieve.
Una caída -¿accidental, suicida, provocada?- que tras las primeras indagaciones pone a Sandra como sospechosa de la muerte de su marido y obligada a encarar a la justicia junto a su amigo y abogado Vincent Renzi (Swann Arlaud), y enfrentada a interrogatorios sobre el crimen y su persona.
Saltburn
Tras debutar de la mejor forma como directora y guionista de un largometraje con Hermosa venganza, la inglesa Emerald Fennell retornó a su papel como cineasta con Saltburn.
La comedia negra que tras su paso por festivales y salas de cine, se sumó al catálogo de originales de Prime Video con su provocadora historia de privilegios y psicopatía.
Donde Fennell deja suelo estadounidense, en que ambientó su anterior cinta con Carey Mulligan, para establecerse en Inglaterra, teniendo como su primer escenario Oxford.
Específicamente en su universidad, hasta donde arriba el becado Oliver Quick (Barry Keoghan) para ser uno de sus estudiantes, aunque no uno de los más populares.
Pero todo cambia después de que ayuda al aristócrata Felix Catton (Jacob Elordi) y este lo integra a su grupo de amigos, y después lo invita a pasar el verano en su señorial mansión.
Cassandro
Tras su estreno en la última edición del Festival de Cine de Sundance, Cassandro se convirtió en una de las buenas sorpresas fílmicas del año con su mirada a la historia verdadera de Saúl Armendáriz, quien pasó a la historia de la lucha libre bajo el seudónimo de Cassandro.
El colorido personaje que en el mundo de los luchadores es conocido como exótico -con una vestimenta y maquillaje glamorosos- y lo llevó a la fama, pero también lo hizo ser agredido por colegas. En un claro caso de homofobia que llevaría a Armendáriz a enfrentar un pasaje muy oscuro.
Elementos que también son parte de la historia de Cassandro en pantalla, bajo la dirección de Roger Ross Williams y la encarnación del famoso actor mexicano Gael García Bernal, cuyo relato se inicia en sus inicios en la lucha libre. Cuando por las noches dejaba El Paso, en Texas, para ir a Ciudad Juárez.
La localidad en México donde sube al cuadrilátero instalado en un taller mecánico como el enmascarado El Topo, uno de los contendientes más débiles. Al mismo tiempo que ayuda a su madre y es entrenado por Sabrina (Roberta Colindrez), quien lo ayuda a encontrar su propio estilo en la lucha.
Pero además encara el momento que marcará su destino: cuando decide que será un luchador exótico, pero que gane, ya que hasta el momento este tipo de peleadores eran solo un complemento del show. Algo que hará bajo el nombre de Cassandro y lo llevará a encarar alegrías y dificultades.
El triángulo de la tristeza
En su sexto largometraje, el controvertido realizador sueco Ruben Östlund -el mismo tras cintas como The square– multiplica la incomodidad de las situaciones a las que se enfrentan sus personajes, mientras hace más tosca y evidente su condena social, en un relato que se divide en tres pasajes.
El primero de los cuales es una introducción enfocada en la top model Yaya (Charlbi Dean) y su novio también modelo Carl (Harris Dickinson), cuando se enfrascan en una discusión sobre género y obligaciones económicas, al terminar una cena donde Carl se ve en la obligación de pagar.
Un prólogo que da paso al capítulo ubicado en el yate de lujo donde Paula (Vicki Berlin) instruye a parte de la tripulación sobre la importancia de cumplir los deseos de los pasajeros. Por eso no es extraño que después el personal deba bañarse en el mar como lo solicitó una de las millonarias a bordo.
La cual forma parte de un grupo que incluye a Yaya y Carl, un oligarca ruso y una pareja de ancianos dueños de una fábrica de granadas de mano. Una selección de adinerados ejemplos de una profunda inconsciencia social que viajan bajo el mando de un capitán alcohólico (Woody Harrelson).
Los que protagonizan una chocante cena que da paso a un grave incidente, que deja a parte de los protagonistas en una isla al parecer desierta y bajo la guía de Abigail (Dolly de León), quien deja muy atrás su papel como encargada de la limpieza y se convierte en la líder de los náufragos.
Todo en todas partes al mismo tiempo
Fue la gran ganadora de los Oscar 2023, al quedarse con siete galardones, entre ellos los de Mejor Película, Mejor Director para Daniel Kwan y Daniel Scheinert y Mejor Actriz para Michelle Yeoh.
En su segundo largometraje, el dúo de directores, conocidos como Daniels, lleva a un recorrido tan vertiginoso como diferente.
El cual se divide en tres partes –Everything, Everywhere y All at once-, para mostrar la historia de Evelyn (Michelle Yeoh), una mujer chino estadounidense que no está pasando el mejor momento
Sin embargo, tiene la oportunidad de dejar la rutina y enfrentarse a la extraña realidad de sus diferentes yos en el multiverso, en un relato que tiene como punto de partida otra tediosa jornada para ella.
Donde prepara los recibos que deberá mostrar en una auditoría a su lavandería. Lo que se suma a la tensión en su matrimonio con Waymond (Ke Huy Quan) y la mala relación con su hija Joy (Stephanie Hsu).
John Wick 4
El género de la acción fílmica tiene una fecha clave: 24 de octubre de 2014, día en que debutó oficialmente Keanu Reeves como el antihéroe que retornó hace poco en John Wick 4: Baba Yaga.
La cinta disponible ahora en Prime Video que, como su título lo reafirma, muestra la cuarta aventura del asesino a sueldo que dejó su retiro para vengar a su cachorra, relanzando de paso la figura y la carrera de Reeves.
La cual también es dirigida por el ex doble de acción Chad Stahelski y se inicia con el sicario también conocido como Baba Yaga aliado con el El Rey de los Vagabundos (Laurence Fishburne).
Mientras Winston (Ian McShane) recibe la noticia que el Continental será destruido por no haber matado a John como pidió La Mesa, ahora representada por el psicopático Marqués de Gramont (Bill Skarsgård).
El cual tiene como asistente a Chidi (Marko Zaror) y se alza como el máximo antagonista de esta entrega de la saga, donde Wick viaja por diferentes lugares para lograr vengarse de la mencionada y poderosa La Mesa.
Air: la historia detrás del logo
Su carrera ha incluido blockbusters como Armageddon y premios como la Copa Volpi al mejor actor por Hollywoodland, pero donde más ha brillado Ben Affleck es en la dirección de cintas como Air.
El quinto largometraje de su destacada faceta como realizador, casi siempre ligada a sus roles como guionista e intérprete.
Acá, revisita una historia real, la que se centra en cómo un joven Michael Jordan fichó por Nike. Un pasaje de la historia deportiva y comercial que el actor/director/guionista estadounidense retrata en pantalla con una de las narraciones fílmicas más ágiles y entretenidas del año.
La que se va conociendo a lo largo de casi dos horas de metraje, marcadas por una atrapante negociación y la nostalgia en torno a la década de los 80.
Una cinta que gustará sobre todo a los seguidores del básquetbol y los conocedores de la crónica de las zapatillas, también conocidas en EE.UU. como sneakers, y su impacto en la cultura popular.
Sin tiempo para morir
Fue con Casino Royale, la cinta número 21 centrada en el agente con “licencia para matar”, que el actor británico Daniel Craig conoció la fama al encarnar a su protagonista, luego de varios años de carrera divididos entre el teatro, el cine y la TV de su natal Inglaterra. Un rol que repetiría en Quantum of solace, Operación Skyfall y Spectre.
Sin embargo, Craig decidió decirle adiós al personaje creado por Ian Fleming con el largometraje número 25 de la saga sobre el agente 007: la compleja Sin tiempo para morir, la cinta dirigida por Cary Joji Fukunaga que debutó en salas en septiembre del 2021, dos años después de la fecha inicial de su estreno.
La misma que ahora está disponible en Prime Video para ver en casa una extensa y a la vez atrapante narración fílmica que se inicia cuando Madeleine Swann era una niña y fue testigo de cómo un desconocido llegó a su casa en busca de su padre, Mr. White, asesinando a su mamá, pero dejándola a ella con vida.
Sin embargo, de ahí la trama se va varios años al futuro, poco después de los hechos vistos en Spectre, cuando Madeleine (Léa Seydoux) junto a su amado Bond (Craig) disfrutan de un viaje por Italia y él es perseguido por un grupo de asesinos, luego de visitar la tumba de Vesper Lynd en el cementerio de Matera.
Y será uno de sus agresores quien despertará en el agente la duda de que la psiquiatra está ligada a Spectre, por lo que termina con ella e inicia una nueva vida. La que cinco años después lo tiene alejado del espionaje hasta que Felix Leiter (Jeffrey Wright) le pide ayuda para encontrar a un científico raptado por Lyutsifer Safin (Rami Malek).
Todo sobre los Ricardo
El nombre de Lucille Ball pasó a formar parte de la historia de la televisión estadounidense gracias a su talento para la comedia y el éxito de su show Yo amo a Lucy, el cual se transmitió originalmente por la cadena CBS en los años 50 y protagonizado por ella junto a su marido, el músico y actor cubano Desi Arnaz.
La exitosa sitcom donde ambos encarnaban al matrimonio de Lucy y Ricky Ricardo, que ahora revive en parte en Todo sobre los Ricardo, el drama escrito y dirigido por Aaron Sorkin (El juicio de los 7 de Chicago) que resucita sus figuras y su relación, tomando como escenario la grabación de uno de los episodios del espacio.
La cual se inicia con la lectura del capítulo, instancia en la que participan los guionistas -cuya perspectiva cuando son mayores es clave en la revisión de los hechos-, el productor y el director de la serie, pero a la que todavía no se integran sus estrellas, Lucille (Nicole Kidman) y Desi (Javier Bardem), porque tienen otras preocupaciones.
Esto porque ella ha sido ligada al partido comunista, un peligro para los artistas de la época, y nuevamente los medios escritos reflotan los supuestos amoríos fuera del matrimonio de su esposo. Todo lo que provoca que Lucille esté más irritable que nunca durante los ensayos del programa y en la relación con sus colegas.
Lo que se entrelaza con escenas que reviven la historia de amor entre Lucille y Desi, desde que se conocieron en los estudios de RKO, cuando él ya tenía un nombre como músico y actor, y ella todavía era una actriz secundaria. En una película que mezcla drama y biografía con algo de ficción, y las destacadas actuaciones de sus protagonistas.
Escape bajo fuego
Aunque también ha actuado en musicales, comedias y dramas, el paso de Gerard Butler por 300 lo marcó profesionalmente y lo ligó por siempre a la acción, y a películas como Escape bajo fuego.
El último título con el actor británico como un personaje que irremediablemente debe hacer uso de su ingenio y armas, mientras salva a quienes los rodean y escapa de villanos o catástrofes de turno.
Lo que concreta en el papel de Tom Harris, un ex integrante del MI6 británico que trabaja como un agente encubierto para servicios de inteligencia, como la famosa CIA estadounidense.
Para la cual realiza un “trabajito” en Irán que lo llevará a enfrentar un peligro multiplicado, a lo largo de dos horas de una trama que puede confundir con la cantidad de enemigos tras el protagonista.
Y cuyo relato se inicia con Tom y su joven colega Oliver (Tom Rhys Harries) haciéndose pasar por técnicos en comunicación, para colocar un aparato que interfiere los sistemas de una central nuclear iraní.
¡Huye!
En 2017 con ¡Huye!, el comediante Jordan Peele debutó en en la dirección fílmica. Y lo hizo de la mejor manera, al logra orquestar de un modo preciso las actuaciones de sus protagonistas y dotar de ritmo exacto a este thriller que, de paso, ofrece una sarcástica mirada al siempre presente conflicto racial estadounidense.
El que se inicia cuando, tras cuatro meses de relación amorosa, Rose (Allison Williams) decide presentar a sus padres a su novio Chris (Daniel Kaluuya), aunque él tiene reparos con el encuentro, porque es afroamericano y tanto ella como su familia son blancos.
A pesar de esto, la pareja se dirige a la casona que los Armitage, el neurocirujano Dean (Bradley Whitford) y la siquiatra e hipnoterapista Missy (Catherine Keener), poseen en una exclusiva zona rural de Alabama.
A pesar de un incidente automovilístico en la carretera con un ciervo, la visita sigue su curso normal hasta que Chris tiene extraños encuentros con los empleados del lugar, los afroamericanos Georgina (Betty Gabriel) y Walter (Marcus Henderson) y, además, es hipnotizado por Missy para que deje de fumar.
Esto marca el inicio de posteriores sorpresas para el muchacho, entre las que se destaca la visita de un grupo de amigos de los Armitage, quienes parecen demasiado interesados en su físico, juventud y talento como fotógrafo.
Blondi
Luego de consolidarse como actriz en una carrera de más de 20 años, con películas que van de Plata quemada a Distancia de rescate, Dolores Fonzi decidió dar el siguiente paso profesional: dirigir su primer largometraje. El cual lleva como nombre Blondi y debutó en la plataforma de Prime Video.
Un estreno para el cual Fonzi también escribió el guión junto a Laura Paredes, además de cumplir el rol de productora y protagonista. Una última función que desempeña dando vida a su personaje principal: la madre soltera Blondi.
Quien fue mamá a los 15 años y hoy vive junto a su hijo ya adolescente Mirko (Toto Rovito) en una casa al frente de la de su madre Pepa (Rita Cortese), mientras se gana la vida haciendo encuestas. Al mismo tiempo que concurre a tocatas y comparte amigos y varios porros con Mirko.
Una rutina que cambia un tanto cuando su hermana mayor Martina (Carla Peterson) abandona a su marido Eduardo (Leonardo Sbaraglia) y a sus dos hijos de improviso, con rumbo desconocido. Lo que obliga a Blondi y a Pepa a hacerse cargo de los niños ante la inutilidad de Eduardo.
Pero esa no será la única sorpresa que deberá afrontar la protagonista de esta luminosa comedia argentina, que convierte a la cotidianidad y los mundanos desafíos de los personajes en su entrañable motor. Todo lo que hace de Blondi el inmejorable debut como directora de Dolores Fonzi.
Gladiador
Épica es el mejor adjetivo para definir a Gladiador (2000), la película que volvió a poner en boga el género histórico con las hazañas de Máximo Décimo Meridio.
Con las actuaciones de Russell Crowe y Joaquin Phoenix, junto a la dirección de Ridley Scott, esta cinta se hizo con cinco premios de la Academia, entre los que se encuentran Mejor Película y Mejor Actor para Crowe.
¿La historia? La de Máximo Décimo Meridio (Russell Crowe), un leal general del ejército romano que un día es traicionado por Cómodo (Joaquin Phoenix), hijo del emperador Marco Aurelio, quien mató a su padre y se quedó con el trono.
Mientras lo fuerzan a vivir como esclavo, Máximo se convierte en gladiador, al mismo tiempo que busca venganza.
La invasión
Fue a fines de 2019 que llegó a Amazon Prime Video el drama Sound of metal, donde Riz Ahmed encarnó a un baterista que pierde la audición, rol por el que el actor británico-pakistaní fue nominado al Oscar, el BAFTA y el Globo de Oro, por nombrar algunos de los premios a los que fue propuesto por su destacada actuación.
Un año más tarde, el mismo Ahmed cierra el 2021, y su año profesional, con otra cinta que puede apreciarse a través de la mencionada plataforma de streaming: La invasión, cuyo título en inglés es Encounter o encuentro -que tiene más relación con la trama- y donde él encarna al infante de marina estadounidense Malik Khan.
El cual al inicio del relato permanece en el cuarto de un motel, donde revisa que sus ojos estén bien y cubre una vez más su cuerpo con un repelente contra insectos. Al mismo tiempo que en una granja sus pequeños hijos, Jay (Lucian-River Chauhan) y Bobby (Aditya Geddada), viven con su madre y padrastro.
Pero repentinamente, en medio de la noche, Malik aparece en la casa de su ex pareja y se lleva a los niños diciéndoles que irán de paseo, mientras su mamá y su nueva pareja se toman unos días libres. Sin embargo, poco después les confiesa que está en una misión para salvarlos de parásitos alienígenas.
Los que estarían invadiendo la Tierra y volviendo violentos a los humanos, por lo que deberán viajar a una instalación militar. Sin embargo, algo parece no estar bien, como se empieza a vislumbrar luego de que Malik realiza una llamada a su contacto y este resulta ser Hattie Hayes (Octavia Spencer), su oficial de libertad condicional.
El hombre perfecto
Su carrera en la actuación se remonta a fines de los 80, abarcando tanto cine y TV con títulos como Deutschland 83, que la hizo conocida fuera de su natal Alemania. Sin embargo, Maria Schrader ha complementado su faceta de actriz con la de guionista y directora, tanto de largometrajes como de series.
Un último apartado en el que debutó y alcanzó renombre como la realizadora de la exitosa miniserie Poco ortodoxa, de Netflix, para luego reafirmar su posición detrás de la cámara con El hombre perfecto. La cinta de 2021 que fue seleccionada como postulante alemana a Mejor Película Extranjera para el premio Oscar.
Algo que ocurrió luego de que el filme, mezcla de comedia, drama, romance y ficción, debutó en el Festival de Cine de Berlín como parte de su competencia oficial. Certamen donde sorprendió al jurado, la crítica y el público con su inusual historia sobre una arqueóloga y un robot.
Un humanoide llamado Tom (Dan Stevens) que Alma Felser (Maren Eggert) conoce en un local nocturno -o eso es lo que simula ser-, donde él le habla sobre su poeta favorito y demuestra sus pasos de baile hasta que sufre de una falla, que debe ser solucionada en pocas horas por los técnicos.
Luego de lo cual Alma lleva a Tom a su departamento, donde deberá vivir con este compañero sintético, hecho con todos los rasgos para agradarle, como una prueba de funcionamiento. En una convivencia que comienza con desagrado para ella, pero que de a poco se convierte en algo más.
Cóctel Explosivo
Desde hace ya unos años, pero aún lentamente, las películas de acción han comenzado a ceder su protagonismo a las mujeres. Ese fue el caso de Atómica (2017), donde Charlize Theron era una agente encubierta, o el de Kate (2021), con Mary Elizabeth Winstead como un sicaria, y es también el de Cóctel explosivo.
Una cinta que hace muy poco pasó a formar parte de las realizaciones originales de Amazon Prime, dirigida y escrita por el israelí Navot Papushado, y que tiene no solamente una, sino que cinco mujeres literalmente de armas tomar dando vida a su relato. Aunque es Sam la que sostiene el peso de la historia.
Un personaje que se presenta al espectador hace 15 años atrás, cuando Sam (Freya Allan) es solo una adolescente que tras una larga espera se reúne en una cafetería con su madre, quien se llama Scarlet (Lena Headey) y trabaja como asesina a sueldo. Pero el encuentro es breve, ya que su progenitora debe escapar.
Luego el relato viaja al presente, cuando una adulta Sam (Karen Gillan) ha seguido los pasos de su mamá y también trabaja como sicaria para la turbia organización conocida como The Firm. Pero cuando un trabajo sale bastante mal, ella debe hacerse cargo de la pequeña Emily (Chloe Coleman) y luchar por su vida.
Cometido donde no solo contará con la ayuda de su madre, quien había estado desaparecida todo este tiempo -pero cuidando a su hija desde las sombras-, sino que también la de sus “tías” Madeleine (Carla Gugino), Florence (Michelle Yeoh) y Anna May (Angela Basset), amigas y colegas de Scarlet.
Coda
Comedia y drama se conjugan en la cinta dirigida y escrita por Sian Heder, que ofrece la mirada estadounidense a la película francesa La famille Bélier, que en 2015 fue nominada a seis galardones en la 40ª edición de los Premios César.
La cual tiene como escenario el poblado de Gloucester, en la costa de Massachusetts, donde vive la adolescente Ruby Rossi (Emilia Jones), junto a su padre Frank (Troy Kotsur), su mamá Jackie (Marlee Matlin) y su mayor hermano Leo (Daniel Durant).
Una familia que posee un rasgo común: ser sordomudos, a diferencia de Ruby que puede hablar y oír con normalidad, pero maneja a la perfección el lenguaje de señas. La misma que divide sus días entre el barco pesquero familiar y sus clases de secundaria.
Y solamente ve en su futuro el seguir trabajando junto a su papá y Leo, sin pensar en continuar con sus estudios tras la graduación. Pero algo cambia cuando decide unirse al coro escolar para estar cerca del chico que le gusta, Miles (Ferdia Walsh-Peelo).
Ya que estando en el grupo coral se da cuenta que el canto es más que una afición que tiene desde niña, como se lo hace notar el profesor Bernardo “Mr. B” Villalobos (Eugenio Derbez), quien además le habla sobre la beca que ofrece el Colegio de Música Berklee.
Beautiful boy
Después de convertirse en una de las figuras del cine en 2018 por su papel en Call me by your name, el joven actor estadounidense Timothée Chalamet volvió a la pantalla en compañía de Steve Carell en Beautiful boy, una de las películas Amazon Prime imperdibles.
El drama revive la historia de periodista David Sheff y la adicción de su hijo Nicolas, quien comenzó su oscuro viaje por el mundo de las drogas cuando tenía solo 12 años de edad.
Su relato muestra cómo David (Carell) decide internar a Nicolas (Chalamet), en una institución especializada en rehabilitación.
Pero el camino será más difícil de lo que David esperaba, ya que su hijo no solamente experimentó con marihuana y alcohol, sino que también con sustancias más duras como cocaína y éxtasis, por lo que tras un periodo de sobriedad el muchacho vuelve a recaer.
Sound of metal
Quedar sordo debe ser una pesadilla para un músico. Y eso es lo que el empieza a suceder a Ruben (Riz Ahmed), el protagonista de este elogiado largometraje de 2019, que dirige Darius Marder.
Él es baterista y junto a su novia, Lou (Olivia Cooke), tienen una banda de doom metal, llamada Blackgammon, con la que van girando por diferentes ciudades en una furgoneta, que es también su casa.
En uno de sus conciertos Ruben se da cuenta de que está perdiendo la audición y luego un médico le confirma que solo puede oír entre un 20% y el 30%, situación que empeorará rápidamente.
Preocupada que por la rabia y frustración que lo agobian el baterista reincida en su adicciones, Lou le aconseja ingresar a un lugar donde personas sordas se rehabilitan. Ahí, comenzará un tortuoso camino de aceptación, de la mano de la mano de Joe (Paul Raci), el director del centro.
Entre los méritos de esta cinta independiente están su extraordinario diseño de sonido, que a veces hacen que el espectador sienta los mismos problemas de audición que su protagonista.
También la convicente actuación de Ahmed (quien, por cierto, también es músico), por la que no ha parado de recibir elogios y premios. De hecho, está nominado a los Globos de Oro como Mejor Actor en la categoría Drama.
Tengo miedo torero
La historia de la Loca del Frente es el eje de Tengo miedo torero, el libro del reconocido escritor nacional Pedro Lemebel (fallecido en 2015), que desde el año pasado tiene una versión fílmica dirigida por Rodrigo Sepúlveda.
Se preestrenó con gran éxito en septiembre y ahora llegó a Amazon Prime Video. Así que ya puedes ver este filme protagonizado por Alfredo Castro, quien ganó por este rol dos importantes galardones en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara: el Premio Mezcal a mejor actor y el Premio Maguey, reconocido por la comunidad LGBTQ.
Castro interpreta, justamente, a la vieja y pobre travesti que se dedica a bordar manteles para las esposas de los militares. Eso, hasta que se se involucra en una operación clandestina durante la dictadura, luego de enamorarse de un guerrillero.
Sayen
Alexander Witt, cineasta chileno-estadounidense que se hizo conocido en Hollywood como director de segunda unidad, debutó en suelo natal con esta cinta, la primera de una trilogía enfocada en la figura de Sayen (Rallen Montenegro), una joven mapuche que debe luchar por su vida y su familia.
La protagonista de una narración donde los huincas o winkas -todos los no mapuches- se convierten en los villanos de la historia, tanto chilenos como empresarios españoles.
Un enfrentamiento que parece no tener fin y en la ficción fílmica se ambienta en plena Araucanía, desde que Sayen retorna a su hogar familiar en medio de los bosques del sur del país.
Donde se reencuentra con su abuela Ilwen Lemunko (Teresa Ramos), machi e importante figura de su pueblo, y amigos de la infancia como José (Camilo Arancibia), quien es periodista.
Pero la tranquilidad se termina cuando aparecen los representantes de una multinacional, encabezados por el joven español Antonio (Arón Piper, Elite), para hacerle una oferta a Ilwen.
Un príncipe en Nueva York 2
Amazon Prime acaba de estrenar la secuela de este icónica comedia de 1988, que mostraba cómo el heredero al trono de Zamunda, Akeem Joffer (Eddie Murphy), viajaba a Estados Unidos con la idea de descubrir en la Gran Manzana a la mujer de su vida.
Tres décadas después, Akeem es el nuevo rey y disfruta de calmados días junto a Lisa y sus tres hijas en su palacio en África. Sin embargo, un pequeño problema intranquiliza a algunos miembros de su familia. Al no tener un heredero -como lo dictan la leyes de su reino- su hija mayor, Meeka (KiKi Layne), deberá casarse, muy a su pesar, con el hijo del General Izzi (Wesley Snipes).
Una alianza no bienvenida ni por Meeka ni por su padre, pero que podría evitarse con la revelación hecha por el médico brujo Baba (el mismo Hall): Akeem tiene un hijo bastardo -una palabra que se repite en demasía- en el neoyorquino barrio de Queens.
Así, entre alianzas, desilusiones, humor y un poco de drama familiar, Un príncipe en Nueva York 2 permite reencontrarse con figuras clásicas de la comedia de los 80, en regreso que apela totalmente a la nostalgia,
One night in Miami
El 25 de febrero de 1964, cuatro importantes figuras afroamericanas de esos años coincidieron en una de las habitaciones del Hampton House Motel. De su conversación no quedó registro, pero One night in Miami reconstruye ese instante como una película.
Una charla que reunió al activista y ministro Malcolm X, a la estrella del fútbol americano Jim Brown, al cantante Sam Cooke y a Cassius Clay, poco antes de que el boxeador cambiara su nombre a Muhammad Ali y después de que derrotara a Sonny Liston.
Cita de la cual quedaron referencias en algunas de las biografías de sus protagonistas, pero que el dramaturgo, guionista y realizador Kemp Powers (Soul) ficcionó, transformándola en la obra de teatro homónima que debutó en 2013 en una sala de Los Angeles.
Y fue el mismo Powers quien siete años después la convirtió en el guión cinematográfico con el que Regina King debuta en la dirección y donde esa habitación es testigo de un encuentro que surge como celebración y muta a una conversación sobre raza, religión y política, en la que exponen toda su humanidad.
Green Book
Ganadora al Oscar el 2019 a Mejor Película, Green Book: una amistad sin fronteras es la aplaudida cinta con que Peter Farrelly dejó muy atrás los días junto a su hermano Bobby dirigiendo comedias como Loco por Mary e Irene, Yo y mi Otro Yo.
Aunque el humor, pero con otro cariz, también se hace presente en esta película biográfica, que revive el viaje realizado por el italoamericano Tony Vallelonga y el pianista afroamericano Don Shirley, a través del sur de Estados Unidos a comienzos de los años 60.
Su relato se inicia en 1962, cuando Vallelonga (Viggo Mortensen) queda sin trabajo, luego de que el Copacabana, el local neoyorquino donde trabaja como guardia, debe cerrar por reparaciones durante un mes.
Sin mucho dinero mantener a su familia, Tony asiste a una entrevista para trabajar como chofer de un doctor de apellido Shirley. Sin embargo, quien busca un asistente es Donald Shirley (Mahershala Ali), no un médico como él supuso, sino un destacado pianista afroamericano –doctorado en música–, que se apresta a realizar una gira por varias ciudades sureñas de EE.UU.
A pesar de su reticencia inicial y empujado esencialmente por el dinero que obtendrá, Tony acepta ser el chofer de Shirley en este viaje que lo llevará a visitar una de las regiones más racistas del país.
Así, los opuestos mundos y personalidades de estos dos hombres comienzan una convivencia obligada que los llevará a experimentar una singular amistad. Un periplo donde también se harán presentes las humillaciones que Shirley debe afrontar por ser afroamericano, en una sociedad aún más segregada que la del Estados Unidos actual.
Borat: subsequent moviefilm
También encuentras películas Amazon Prime originales de la plataforma, como la que este año trajo de vuelta Borat Sagdiyev (Sacha Baron Cohen), quien retorna a suelo estadounidense en la segunda cinta con sus aventuras, luego de que en 2006 lo visitara para aprender sobre su cultura y política.
Acá, el primer ministro de Kazajistán decide devolverle la libertad y asignarle la misión de enmendar lazos con EE.UU., llevando el mencionado soborno a Mike Pence, el más cercano a quien, según ellos, devolvió la grandeza a América: Donald Trump.
Y para cumplir su misión, Borat y su regalo, Johnny el Mono -Ministro de Cultura y estrella porno-, se embarcan en un carguero que recorre casi todo el mundo antes de arribar a Galveston, Texas. Pero al abrir la caja que resguarda al animal, recibe una gran sorpresa.
En su interior se encuentra su hija de 15 años, Tutar (Maria Bakalova) -a la que conoció al salir de la cárcel-, y los restos de Johnny.
Volver al futuro
También puedes ver en esta plataforma de streaming la saga más popular de los años ochenta en Estados Unidos.
Producida por Steven Spielberg y dirigida por Robert Zemeckis, trata sobre las aventuras de Marty McFly (Michael J. Fox), un adolescente impulsivo que un día viaja accidentalmente al pasado gracias al Delorean, un auto que construyó el Dr. Emmett Brown (Christopher Lloyd).
Sus viajes en el tiempo lo llevan a cambiar el presente, obligándolo a volver al pasado para mantener su vida igual. ¿Qué cambios hace? Entre otros, interviene en el día que se conocieron sus padres, algo que incluso puede hacer que él desaparezca.
Shrek
En el mundo de los cuentos de hadas cualquier cosa puede pasar, y bien lo sabe Shrek, el gruñón y verde ogro que 2001 llegó a conquistar las taquillas de los cines de todo el mundo.
Además de ganar el premio Oscar a Mejor Película de Animación en 2002 y estar en la selección oficial del Festival de Cannes, consiguió tener tres secuelas oficiales.
En Amazon Prime puedes ver la primera estas cintas, la que conquistó e hice reír a todo el mundo con las aventuras de esta critatura y su inseparable amigo Burro para rescatar a Fiona del castillo donde está atrapada, uno rodeado de lava y custodiado por un dragón.
Pacto de fuga
El debut en el largometraje argumental del realizador chileno David Albala (Perspecplejia) da cuenta de la fuga que el 30 de enero de 1990 protagonizaron 49 presos políticos, en su mayoría miembros del Frente Patriótico Manuel Rodríguez, desde la Cárcel Pública.
Un filme coral donde los protagonistas son León Vargas (Benjamín Vicuña) y Rafael Jiménez (Roberto Farías), inspirados en los rodriguistas Raúl Blanchety Miguel Montecino, involucrados respectivamente en el atentado a Pinochet y en el desembarco de armas en Carrizal Bajo.
Separados de los presos comunes al inicio del filme, Vargas y Jiménez lideran un escape que al principio parece la fantasía de alguien que usa un destornillador para horadar el entretecho de la prisión, a mediados de 1988.
Todo, eludiendo la vigilancia de los gendarmes y las sospechas del fiscal militar Andrade, desde ya miembro de la galería de villanos del cine local.
Lo que sigue, durante dos horas quince, es la descripción minuciosa de una tarea titánica llevada a cabo durante año y medio en paralelo a la sociabilidad carcelaria, el contacto con los parientes y la necesidad de apoyo desde el mundo exterior.
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