Las 48 mejores películas para disfrutar en HBO Max
Nombres como los de Steven Spielberg, David Fincher, Sandra Bullock, Christopher Nolan y Keanu Reeves se conjugan en la selección de largometrajes que permite empezar a explorar el creciente catálogo de cintas de la plataforma de streaming.
Fue en 2021 que llegó a Latinoamérica HBO Max, el servicio de streaming de WarnerMedia, ampliando la oferta de plataformas que hasta el momento tenía como sus principales protagonistas en Chile a Netflix, Amazon Prime, Disney+ y Apple TV+.
La cual marcó de inmediato una fuerte y destacada presencia con una oferta para toda la familia, de marcas como HBO, Warner Bros., DC, Cartoon Network, Adult Swim y Turner Classic Movies, entre otras, incluyendo clásicos de la TV y el cable como Friends y Game of Thrones, además de las cintas basadas en las historietas de DC.
Último apartado cinéfilo del que también forman parte los filmes de las sagas de Harry Potter, El Señor de los Anillos y Matrix.
Sin olvidar un gran número de largometrajes que en los últimos años han llamado la atención del público y la crítica, por su calidad y singulares historias de diversos géneros, que son parte del catálogo de películas HBO Max.
Acá una selección con algunas de las mejores.
Spider-Man: a través del Spider-verso
El vivaz Miles Morales, una de las más recientes encarnaciones del héroe arácnido de Marvel, regresó en Spider-Man: a través del Spider-verso, cuya acción se ubica un año después de su anterior cinta.
La que fue película titulada Spider-Man: un nuevo universo y presentó a los espectadores la versión del paladín surgida de los cómics creados por Brian Michael Bendis y la artista Sara Pichelli.
Una variante adolescente del superhéroe concebido en los 60 por Stan Lee y Steve Ditko, de ascendencia afroamericana y puertorriqueña, que llegó por primera vez a las salas de cine en 2018.
Ahora, Miles enfrenta un desafío en el Spider-verso. El multiverso esencial en el desarrollo de una trama marcada por una impresionante animación y fondos, que varían dependiendo del mundo en que se ubica o las emociones de sus personajes.
Un recorrido emocionante y embriagador, con fantásticas escenas de acción y decenas de versiones de Spider-Man -de cómics, series y películas- que harán las delicias de los fanáticos.
Barbie
Desde que en 2009 se anunció el proyecto de hacer una película en acción real en torno a Barbie, varios años, directores, protagonistas y estudios han pasado en torno a su dilatada producción.
Hasta que finalmente el largometraje centrado en la famosa muñeca de Mattel llegó a las salas del mundo con la firma de Warner Warner Bros. Pictures y Greta Gerwig, quien coescribó el guión junto a su pareja, el cineasta Noah Baumbach.
Los dos respetados exponentes del ala más intelectual del cine estadounidense actual, que asumieron el desafío de dar forma a un relato ágil, colorido y con buenos chistes, que divide su relato entre Barbieland -o tierra de Barbie- y el mundo real, mientras el protagonismo lo comparten Ryan Gosling y Margot Robbie.
Una película que logra entretener gracias al trabajo de sus protagonistas y lo imaginativo de su guión, a pesar de su espíritu comercial.
¡Nop!
Luego de hacerse un nombre como actor de comedia fílmica y televisiva, Jordan Peele decidió incursionar en la dirección.
Una faceta a la que retornó con ¡Nop!, su tercera realización tras aplaudidos títulos como ¡Huye! (2017) y Nosotros (2019), donde nuevamente se mueve entre géneros opuestos al humor, como lo son el suspenso y el terror.
Lo que no quiere decir que sus películas no incluyan una ácida mirada a lo social y cultural, que hace aún más singular su apuesta y lo sitúa junto a innovadores cineastas como Robert Eggers y Ari Aster.
Esta vez su relato se nutre de la ciencia ficción y lleva hasta Agua Dulce, California, donde la familia encabezada por Otis Haywood Sr. (Keith David) tiene su rancho de caballos.
Pero la calma desaparece cuando, tras un extraño sonido, de las nubes caen elementos de metal, uno de los cuales -una moneda- hiere mortalmente a Otis
Una amenaza que se relaciona con algo impredecible y mortal, el gran antagonista de un relato que sorprende y aterra con su revelación.
Parásitos
Todo un hito en la cinematografía de Corea del Sur marcó Parasite.
Era de esperar, si fue toda una sorpresa su éxito en los Oscar 2020, donde se llevó los premios a Mejor Película Internacional, Mejor Director, Mejor Guion Original y Mejor Película.
Aunque antes ya había triunfado en Cannes, donde se estrenó y se quedó con la preciada Palma de Oro.
Su director es el aplaudido cineasta surcoreano Bong Joon-Ho, quien en Parasite se cuestiona los enormes problemas que generan los sistemas neoliberales. Todo, para exhibir con humor negro, las condiciones radicalmente distintas en que viven dos clases sociales en una misma ciudad.
Una cinta que transita entre el drama y la comedia para retratar con maestría la vida de una familia, los Kim, que sobrevive en uno de los barrios más pobres de Seúl.
El código Enigma
Después varios años dedicado a la actuación, tanto en teatro, cine y TV, el británico Benedict Cumberbatch recibió su primera nominación al Oscar por su desempeño en El código Enigma, gracias a su destacada interpretación de una figura de la vida real: el matemático inglés Alan Turing.
Quien pasó a la historia como el denominado padre de la informática teórica y la inteligencia artificial, pero también por la injusta condena que sufrió por su preferencia sexual, que gatillaría su suicidio cuando tenía solo 41 años de edad. Algo de lo que se refleja en la cinta de 2014 dirigida por Morten Tyldum.
Donde el realizador noruego revisita parte de la vida y obra de Turing con un relato que comienza su narración en 1951, en Manchester, Inglaterra. Cuando él es interrogado por un detective de la policía después de que su casa fuera blanco de un supuesto robo, aunque no se llevaron nada.
Para luego viajar años antes, a la Londres de 1939, cuando ha sido declarada la guerra y se espera la llegada de bombarderos alemanes. Ciudad desde la que el matemático viaja al poblado de Bletchley, donde está el centro de operaciones del grupo de criptografía que busca descifrar a Enigma.
La máquina usada por los nazis para cifrar sus mensajes y que acá mueve el trabajo de Turing y de sus colegas, quienes en un principio no quieren colaborar con él por su trato algo despectivo. Pero esto comienza a cambiar tras la llegada al equipo de Joan Clarke (Keira Knightley).
Asteroid City
Con su inconfundible estilo fílmico, amado por muchos y desestimado por unos cuantos, Wes Anderson es una de las figuras del cine contemporáneo, como lo reafirma con Asteroid City.
La cinta número 11 de la filmografía del cineasta tejano, neoyorquino de corazón, que incluye películas únicas como Los excéntricos Tenenbaum y la reciente La Crónica Francesa.
A las que se Asteroid City su singular mirada en una historia con meta narrativa, ambientada en el desierto estadounidense.
Una locación que el realizador visita en plena década de los 50, cuando se efectúan algunas pruebas atómicas.
Con su mezcla de comedia, ciencia ficción y drama, y un elenco que incluye a figuras como Jason Schwartzman, Scarlett Johansson, Jake Ryan, Tom Hanks, Jeffrey Wright, Anderson vuelve a vuelve a sorprender con su estilizada forma de abordar el cine y actuaciones.
Tár
En las antípodas de la prolífica obra de colegas como Steven Spielberg, el estadounidense Todd Field se ha hecho de un nombre como director con solo dos cintas.
El cual consolidó con Tár, la última adición a su acotado listado y en la que habla de triunfo y caída, como también de dinámicas de poder y una cegadora superioridad en la historia de Lydia Tár, la más que exitosa pianista, compositora y conductora a la que encarna con maestría Cate Blanchett.
Quien enfrentar el declive de su carrera y que Field va dibujando con sutileza y objetividad, teniendo como figura central a Tár, sus relaciones transaccionales y su desgracia, haciendo que el público decida realmente si es víctima o victimaria.
En el corazón dramático de una película que merece sus cinco nominaciones al Oscar -entre ellas a Mejor Director y Guión-, especialmente la de Blanchett por su impecable protagónico.
Eterno resplandor de una mente sin recuerdos
Conocido por sus videoclips para Bjork, Daft Punk y Massive Attack, en 2004 el director francés Michel Gondry dio un gran salto al cine con esta historia que se transformó para muchos en un filme de culto.
En su segunda colaboración con el guionista Charlie Kaufman, muestra a una pareja separada (interpretada por Jim Carrey y Kate Winslet) que, tras un proceso de borrado de memoria, se vuelve a conocer en una estación de trenes.
Drama, romance, ciencia ficción y elementos del thriller psicológico se dan cita en esta película ganadora de varios premios, entre los que destacan el de Mejor Guión Original en los Oscar de 2005.
Un fascinante viaje en torno a la memoria y al amor, que tiene también en su elenco a estrellas como Kirsten Dunst, Mark Ruffalo, Elijah Wood y Tom Wilkinson.
Blue Beetle
En el límite del Universo Extendido de DC y el Universo DC, como se conocerá el mundo audiovisual de los cómics DC bajo la guía de James Gunn y Peter Safran, se ubica Blue Beetle.
La película en torno a los personajes de la antigua casa editora de historietas, que por primera vez convierte en protagonista de una película a un superhéroe latino.
Lo que el largometraje concreta bajo la dirección del puertorriqueño Ángel Manuel Soto y con un elenco de actores y actrices con raíces mexicanas, encabezado por Xolo Maridueña.
El joven intérprete que se hizo famoso por su papel de Miguel Diaz en Cobra Kai y ahora encarna con encanto, y la capacidad física que un papel así requiere, a Jaime Reyes.
El motor de un relato de dos horas que logra entretener y cautivar, en especial a los espectadores de países como Chile, con su mezcla de comedia, acción y un lazo familiar inquebrantable.
Además de incluir referencias a música, programas de TV –Sábado gigante, El chavo del ocho– y convenciones sociales y culturales que compartimos los latinoamericanos.
Elvis
A pesar de ser una de las figuras indelebles de la música, no han sido muchas las producciones que se han atrevido a poner en pantalla la corta, pero agitada existencia de Elvis Presley.
Pero el realizador australiano Baz Luhrmann (Moulin Rouge!) se atreve con su biopic del Rey del Rock & Roll y un elenco liderado por el famoso Tom Hanks y el menos conocido Austin Butler, un actor conocido esencialmente por series y que acá se encargar de encarnar a Presley.
Su interpretación humaniza a la leyenda que el director australiano redibuja en pantalla, en medio del montaje frenético, las luces y monumentalidad que siempre son parte de sus cintas.
Una biografía centrada en las canciones y su puesta en escena, con un sentido de espectáculo que la recorre de inicio a fin, haciendo de la película un imperdible tanto para los fanáticos del icónico intérprete, como para los seguidores de la singular visión fílmica de Luhrmann.
Moonage daydream
Tras conquistar a la crítica y el público con Jane (2017) y Cobain: montage of heck (2015), el director Brett Morgen repasa la figura de un ícono del pop, David Bowie, a través del documental que titula como una de sus canciones más emblemáticas.
El que apuesta por lo fantástico y ensoñador a largo de poco más de dos horas de una cinta tan imponente como singular, que disfrutarán especialmente los fanáticos de Bowie.
Una obra que combina colores, música, animaciones y material de archivo para ofrecer una biografía que, sin ser la más acabada, permite conocer más de David Robert Jones y su gran creatividad .
La que desplegó a lo largo de una carrera artística de casi cinco décadas donde, como lo resalta de forma reiterada Moonage daydream, fueron recurrentes dos palabras: cambio y aislamiento.
El origen
Esta taquillera película de ciencia ficción dirigida por Christopher Nolan es un imperdible. Ganadora de varios premios, entre ellos se cuentan los Oscar a Mejor Fotografía, Mejores Efectos Visuales, Mejor Sonido y Mejor Edición de Sonido.
En la ficción es Leonardo Di Caprio el encargado de dar vida a Dom Cobb, una especie de ladrón especializado en entrar en la mente de las personas mientras duermen para robarles información.
A pesar de ganar millones con este trabajo, la vida de Cobb no es fácil, ya que desde hace varios años se mantiene prófugo de la justicia estadounidense luego de verse involucrado en la confusa muerte de su esposa Mal (Marion Cotillard).
Pero una arriesgada misión le abre la puerta para un posible regreso legal a su casa en EE.UU., donde viven sus hijos que no puede ver hace largo tiempo. Así, junto a sus compañeros, intenta provocar una “originación” (o sembrar una idea en la cabeza de alguien más) en la mente del rival comercial de su nuevo jefe.
Una historia compleja y con altas dosis de acción que juega con la concepción del tiempo y de espacio como sólo Christopher Nolan sabe hacerlo.
Ojo, que Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Ken Watanabe, Tom Hardy y Cillian Murphy también son parte del reparto.
Flash
Los multiversos y las realidades paralelas son conceptos que en los últimos años se han tomado las tramas de las cintas de superhéroes. Una tendencia de la que también es parte Flash.
La última película en sumarse al apartado cinematográfico del amplio Universo Extendido DC, en que se explora el tema de las realidades alternativas bajo la dirección de Andy Muschietti.
El realizador argentino detrás de It e It capítulo dos, que guía la contraparte de DC a cintas Marvel que ya visitaron los universos múltiples y viejas encarnaciones de sus personajes.
Lo que realiza con una trama de hora y media de duración que logra buenos y entretenidos momentos con el joven y super veloz paladín encarnado por el controvertido Ezra Miller.
El veinteañero Barry Allen que tras ser más bien un secundario en anteriores realizaciones con los superhéroes DC, acá lidera la narración marcada por la aventura, el drama y la comedia.
Los Fabelman
Como camaleónica ha sido definida la capacidad de Steven Spielberg para moverse por los diferentes géneros fílmicos, teniendo siempre a la emoción como motor.
Un sentimiento esencial en Los Fabelman, largometraje número 36 de su larga y prolífica carrera como director, productor y guionista, catalogado por él mismo como su obra más personal, ya que se inspira en su infancia y juventud.
Así, lleva la pantalla, con algunos cambios de situaciones y nombres, las vivencias que compartió con su familia mientras surgía su amor por el cine.
Lo que despliega a lo largo de dos horas y media de metraje, donde son claves la recreación de época y el trabajo de su elenco, en especial el de Michelle Williams como la madre del protagonista.
Y a pesar de los dramas que la habitan, nunca pierde brillo ni encanto, llevando al espectador a través de una biografía marcada por el amor al cine y el cariño a una singular familia.
Spencer
Serena Scott Thomas, Naomi Watts y Emma Corrin son algunas de las actrices que han encarnado a la desaparecida Diana, Princesa de Gales, en pantalla. Una lista en expansión a la que se sumó Kristen Stewart con su rol protagónico en Spencer.
La película dirigida por el chileno Pablo Larraín que se titula con el apellido que Diana Frances tenía de soltera, antes de casarse con el heredero a la Corona Británica, el Príncipe Carlos, y vivir una espiral de emociones y conflictos en medio del lujo y el boato.
Y es esencialmente esta experiencia la que retrata el largometraje basado en un guión del británico Steven Knight (Promesas del este, Logan), que ficciona la realidad para mostrar cómo la desaparecida Diana toma la decisión de terminar con su matrimonio.
Una “fábula basada en una tragedia real”, donde Kristen Stewart despliega todo su talento al encarnar a la atribulada Lady Di.
La mujer rey
A lo largo de tres décadas en el teatro, el cine y la TV, Viola Davis ha cimentado una carrera marcada por el talento y su capacidad de moverse por diferentes géneros, lo que ratifica con La mujer rey.
Su película que ofrece un monumental relato anclado en el pasado reciente. El cual, bajo la firme, pero fluida dirección de Gina Prince-Bythewood (La Vieja Guardia), permite conocer un pasaje de la rica historia de África, de la que poco y nada se enseña en este rincón del mundo.
En el que Davis encarna a Nanisca, la generala del grupo de guerreras llamadas Agojie, que durante los siglos XVII a XIX tuvieron la misión de proteger al reino de Dahomey.
Las que reviven en una narración que mezcla realidad y ficción, situándose a inicios de la década de 1820, cuando Nanisca y sus feroces luchadoras encaran el peligro de sus vecinos del imperio Oyo.
12 Monos
En plena década de los 90, Bruce Willis vivió una de sus etapas más agitadas y aplaudidas de su carrera, muy lejos del oscuro momento personal por el que hoy transita. Época en la que protagonizó famosos títulos como Pulp Fiction, El quinto elemento, Armageddon, El sexto sentido y la singular 12 Monos.
La cinta de ciencia ficción dirigida por Terry Gilliam (Brazil) en 1995, que tiene como inspiración el mediometraje La Jetée, de Chris Marker, y ahora forma parte del catálogo de Netflix, para permitir a los fanáticos del actor estadounidense, o quienes empiecen a conocerlo, verlo una vez más como James Cole.
Uno de los prisioneros que en un futuro cercano, específicamente en 2035, vive en un complejo penitenciario ubicado debajo de lo que hoy se conoce como Filadelfia, luego de que un virus mortal, que comenzó a expandirse en 1996, obligara a los sobrevivientes a buscar refugio bajo la superficie del planeta.
Pero tal vez haya una oportunidad de evitar la pandemia, enviando a alguien al pasado a detener el accionar del denominado Ejército de los 12 Monos, al grupo terrorista que a mediados de los 90 habría desatado la infección. Y es precisamente Cole el individuo que mandan como “voluntario”.
Una misión que lo llevará a diferentes años, pero finalmente a la fecha precisa, durante los cuales conocerá a la Dra. Railly (Madeleine Stowe) y a Jeffrey Goines, el paciente mental y activista encarnado por Brad Pitt, quien por este rol ganó un Globo de Oro y fue nominado al Oscar como Actor Secundario.
Tren bala
En agosto de 2022 Brad Pitt retornó a la comedia de acción, subgénero en que ha sido parte con películas como Snatch: cerdos y diamantes o la saga de La gran estafa, en la cinta dirigida por David Leitch.
La que lleva a la pantalla la novela Maria Beetle, de Kōtarō Isaka, que narra lo que ocurre con un grupo de asesinos a bordo del tren de alta velocidad japonés que corre desde Tokio hasta Kioto.
El mismo escenario en que se ambienta la cinta que mezcla violencia y absurdo, cuya trama se inicia cuando un criminal con el alias de Ladybug (Pitt) recibe la tarea de abordar el tren para robar un maletín.
Pero él no es el único delincuente que viaja en el ferrocarril, ya que también son pasajeros los “mellizos” que se hacen llamar Limón (Brian Tyree Henry) y Mandarina (Aaron Taylor-Johnson).
Los que tienen la misión de devolverle a un peligroso capo mafioso conocido como White Death (Michael Shannon) a su descarriado hijo y un maletín con dinero, que es que el busca Ladybug.
Matrix resurrecciones
Han pasado más de tres décadas desde que las hermanas Lana y Lilly Wachowski concretaron su tercer proyecto para Warner Bros.: Matrix, una película con guión propio, mezcla de ficción, filosofía y artes marciales, donde se enfrentaban humanos y máquinas.
La que marcaría su pasaje dentro de la crónica de la ciencia ficción cinematográfica, haciendo de sus protagonistas, Neo, Trinity y Morfeo, -e inconfundibles atuendos-, personajes indelebles de la pantalla grande, que inspiraron dos largometrajes más.
Así, Matrix (1999), Matrix: recargado (2003) y Matrix: revoluciones (2003) construyeron su universo audiovisual, donde el joven programador computacional Thomas A. Anderson (Keanu Reeves), descubrió que su realidad no era más que una creación digital.
Una extenso recorrido que supuestamente había concluido con el capítulo donde Neo tuvo su encuentro clave con Deux Ex Machina y luego con un poderoso Smith (Hugo Weaving), que lo llevaría al máximo sacrificio. Pero no todo estaba dicho, tal como lo revela Matrix resurrecciones, la película que viene a sumar un nuevo capítulo a la saga con una narración que bebe directamente de las cintas anteriores, reviviendo personajes, sentimientos y conflictos.
Una cuarta entrega que claramente está hecha para los nostálgicos de la trilogía original, pero puede entretener a alguien no tan versado en su universo gracias a sus adrenalínicas escenas de acción.
El hombre del norte
Con solo dos largometrajes, cargados de atmósferas inquietantes, Robert Eggers logró ubicarse como uno de los realizadores estadounidenses más interesantes del último tiempo.
Algo que afianzó con El hombre del norte, donde apuesta por la mitología escandinava. Específicamente por la leyenda de Amleth, que ya había inspirado a Shakespeare para dar vida a su Hamlet y ahora, bajo un guión coescrito por Eggers con el escritor islandés Sjón (Lamb), se convierte en una película de ribetes épicos.
La que lleva al espectador al norte del Atlántico, donde Amleth (Alexander Skarsgård) busca vengar la muerte de su padre, el rey vikingo Aurvandil (Ethan Hawke), asesinado por su tío y hermano del rey, Fjölnir (Claes Bang).
Por lo que no duda en unirse al grupo de cautivos que será vendido a Fjölnir, quien ahora vive en Islandia, y donde comienza a idear su revancha en compañía de Olga (Anya Taylor-Joy), una joven con poderes sobrenaturales.
En un relato donde se mezcla la fantasía mística con violencia muy explícita, y que ofrece una épica mirada al deber y la venganza.
Guasón
En el mundo de las historietas, el Joker o Guasón se ha convertido en una figura clave entre el variopinto grupo de villanos que pueblan sus páginas. Pero el famoso archienemigo de Batman también hace mucho saltó a la pantalla, desde su paso por la televisión bajo la piel de Cesar Romero en los 60, hasta el cine y las encarnaciones de Jack Nicholson, Heath Legder y Jared Leto
Un listado al que en 2019, a casi ocho décadas de su aparición en los cómics de DC, se sumó Joaquin Phoenix como protagonista de Guasón, la cinta dirigida por Todd Phillips que revitalizó al desquiciado personaje mostrando su génesis.
A pesar de que se está en presencia de una cinta anclada en el universo de DC Comics, con elementos como la familia Wayne y Ciudad Gótica como claros referentes, la cinta logra desmarcarse de su fantasía y alcanzar su independencia como un violento drama que gráfica el paso a la locura de su protagonista.
Guasón es más que nada la historia de un hombre con graves problemas mentales, que finalmente reacciona a su entorno, además de a una grave revelación de su pasado, enfrentando con crudeza y crueldad a un mundo dominado por ricos y poderosos que han perdido toda empatía hacia sus pares.
Inmejorable es también la actuación de Phoenix como Arthur Fleck, alias Guasón, quien dota de humanidad y fragilidad a uno de los villanos más famosos de la cultura pop de las últimas décadas.
La chica del dragón tatuado
Tras su repentina muerte por un ataque cardíaco en 2004, el sueco Stieg Larsson dejó un extenso trabajo periodístico enfocado en exponer el peligro de la extrema derecha, el racismo y la misoginia. Además de los libros que escribió en las noches, cuando su insomnia lo hacía estar despierto.
Un “pasatiempo” del que nacería la trilogía de novelas negras Millenium, que fue publicada de manera póstuma e incluye los volúmenes Los hombres que no amaban a las mujeres, La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina, y La reina en el palacio de las corrientes de aire.
La que se convertiría en una de las más exitosas de la literatura nórdica reciente, por lo que no era extraño que pronto inspirara películas. Como el primero de los libros que en 2009 llegó a los cines en la película sueca homónima de Niels Arden Oplev, para luego tener su versión hollywoodense.
Una aplaudida mirada a la obra de Larsson con la firma de David Fincher que, bajo el título de La chica del dragón tatuado, debutó en 2011 con la inquietante investigación que comienza Mikael Blomkvist (Daniel Craig), a la que después se suma la hacker Lisbeth Salander (Rooney Mara).
Lo que desarrolla luego de que Blomkvist es acusado de difamación por un empresario y acepta la propuesta de Henrik Vanger (Christopher Plummer) de hallar al asesino de su sobrina, involucrándose con peligrosos simpatizantes nazis y otras muertes, en medio de los pasajes de Hedestad.
Downton Abbey: una nueva era
En 2019, cuatro años después de que terminó su paso por la TV y para alegría de sus fanáticos, la aristocrática familia Crawley agregó un nuevo pasaje a su existencia en pantalla con la película Downton Abbey.
El mismo título de la serie de Julian Fellowes que se convirtió en una cinta que continuó con las vivencias del grupo liderado por el conde de Grantham, Robert Crawley (Hugh Bonneville), y su esposa Cora (Elizabeth McGovern).
Y tres años después del debut del largometraje, regresaron con una nueva aventura fílmica que retoma sus existencias meses después de lo visto en el final de ese cálido relato coral.
Cuando Mary continúa a cargo del manejo de Downton Abbey, con Barrow (Robert James-Collier) como mayordomo y encargado de la servidumbre, mientras Tom se casa con Lucy, quien era realmente la hija de Maud.
Pero dos hechos rompen la calma: Lady Violet se transforma de improviso en dueña de una villa en la costa del sur de Francia y a Mary le ofrecen rentar por unas semanas el castillo para rodar en sus salones una película.
Dos inusuales circunstancias que dividen la narración de la película en pantalla, en una continuación atractiva tanto para fanáticos como no aficionados a la serie.
Duna
Desde que Frank Herbert publicó la primera de sus novelas sobre las intrigas del Imperio Galáctico y el joven que puede derrocar su tiranía, muchos quisieron convertir las páginas de Duna en un largometraje, entre ellos el famoso chileno Alejandro Jodorowsky y su proyecto con nombres como los de Orson Welles y Pink Floyd.
Algo que concretó el estadounidense David Lynch en 1984, cuando debutó la cinta que originalmente contaba con cinco horas de metraje y quedó reducida a 137 minutos, tras la brutal edición a la que la sometió el estudio. Una decisión que hizo que su trama fuera bastante incoherente y afectará su recepción por parte del público.
Sin embargo, la historia en torno a Arrakis, la especia, Paul Atreides y los Harkonnen es demasiado atractiva y, a casi cuatro décadas de esa versión fílmica, una nueva producción en torno a la saga de Herbert llegó a las salas de cine para algunas semanas después pasar a formar parte del catálogo de peliculas HBO Max.
La que con la dirección del realizador canadiense Denis Villeneuve se inicia cuando el Emperador del Universo Conocido ordena a la Casa Harkonnen, que encabeza el Barón Vladimir Harkonnen (Stellan Skarsgård), abandonar el planeta Arrakis, donde durante décadas han explotado la denominada especia y sometido al pueblo Fremen.
Pero ahora la nueva encargada de Arrakis y la recolección de la especia -que solo se encuentra en este desértico planeta y es usada para los viajes intergalácticos- queda en manos de la Casa Atreides. Esto obliga al Duque Leto Atreides (Oscar Isaac), su familia, hombres de confianza y su ejército a mudarse a dicho lugar.
No te preocupes cariño
Luego de casi dos décadas como actriz, en 2019 Olivia Wilde debutó en la dirección de un largometraje con La noche de las nerds, para luego volver al sillón de directora con No te preocupes cariño.
Y si en su ópera prima apostó por la comedia juvenil, en su segunda película se enfoca en una trama más oscura, donde el drama se une al suspenso.
La que se ambienta en el barrio suburbano en la soleada California, bautizado Proyecto Victoria, que habitan los empleados y familias de la misteriosa empresa liderada por Frank (Chris Pine).
En la cual trabaja Jack Chambers (Harry Styles), el marido de Alice (Florence Pugh), como también todos los de sus vecinas y amigas, quienes, al igual que ellas son las perfectas dueñas de casa de los años 50.
Las que cada mañana, tras un perfecto desayuno, despiden a sus esposos cuando parten en sus respectivos automóviles al trabajo, para luego dedicarse al cuidado de sus impecables casas.
Sin olvidar las reuniones en los hogares vecinos o la gran casa de Frank, donde ocurre un suceso que marca un antes y un después. El cual tiene relación con una amiga de la protagonista y que es el motor del relato y que le otorga su interesante, aunque diluida faceta de thriller psicológico.
Batman
Por fin se puede ver en HBO Max uno de los estrenos destacados de lo que va de este 2022: Batman, cinta con la firma del realizador neoyorquino Matt Reeves y donde Robert Pattinson se calza perfectamente el pesado traje del superhéroe cuando todavía es joven y lleva solo dos años como justiciero en las sombras.
Pero un crimen remece a la opinión pública y a los habitantes de Ciudad Gótica: el alcalde Don Mitchell Jr. (Rupert Penry-Jones) es asesinado por un demente que deja un acertijo en una tarjeta de felicitaciones dirigida a Batman.
Lo que pone al enmascarado a trabajar codo a codo con su hasta ahora único aliado en la policía, el teniente James Gordon (Jeffrey Wright) y junto a él comenzará una búsqueda que lo llevará al club nocturno del capo Carmine Falcone (John Turturro) que administra Oz Cobblepot (Colin Farrell), un mafioso también llamado El Pingüino.
Donde además trabaja como mesera Selina Kyle (Zoë Kravitz), una chica que llama la atención de Wayne y pronto se revela como Catwoman o Gatúbela.
Los personajes y hechos que van marcando las casi tres horas del largometraje que se aleja de la aventura de anteriores blockbusters centrados en el héroe creado por Bob Kane y Bill Finger, para transitar por el drama y el suspenso relacionado con el policial y el conflicto psicológico.
Coda
Comedia y drama se conjugan en la cinta dirigida y escrita por Sian Heder, que ofrece la mirada estadounidense a la película francesa La famille Bélier, que en 2015 fue nominada a seis galardones en la 40ª edición de los Premios César.
La cual tiene como escenario el poblado de Gloucester, en la costa de Massachusetts, donde vive la adolescente Ruby Rossi (Emilia Jones), junto a su padre Frank (Troy Kotsur), su mamá Jackie (Marlee Matlin) y su mayor hermano Leo (Daniel Durant).
Una familia que posee un rasgo común: ser sordomudos, a diferencia de Ruby que puede hablar y oír con normalidad, pero maneja a la perfección el lenguaje de señas. La misma que divide sus días entre el barco pesquero familiar y sus clases de secundaria.
Y solamente ve en su futuro el seguir trabajando junto a su papá y Leo, sin pensar en continuar con sus estudios tras la graduación. Pero algo cambia cuando decide unirse al coro escolar para estar cerca del chico que le gusta, Miles (Ferdia Walsh-Peelo).
Ya que estando en el grupo coral se da cuenta que el canto es más que una afición que tiene desde niña, como se lo hace notar el profesor Bernardo “Mr. B” Villalobos (Eugenio Derbez), quien además le habla sobre la beca que ofrece el Colegio de Música Berklee.
Fuego contra fuego
Aunque en 1974 habían coincidido en el elenco de El Padrino II, siendo los ejes de relatos separados por el tiempo, fue en Fuego contra fuego -o Heat– que Al Pacino y Robert De Niro se unieron en pantalla como los contrapuestos protagonistas de la realización de acción y suspenso.
Una cinta con la firma de Michael Mann (El informante) que se ambienta en Los Angeles de mediados de los años 90, para mostrar el enfrentamiento entre la banda criminal liderada por el cerebral Neil McCauley (De Niro) y el grupo de policías liderado por el teniente Vincent Hanna (Pacino).
Quien no sabía de la existencia de este grupo de ladrones hasta que roban millones en bonos desde un camión de valores, tras ejecutar un elaborado plan que dejó tres guardias muertos. Pero la sagacidad de Hanna y sus hombres lo llevan a dar con el paradero de McCauley y sus hombres.
Entre los que se cuentan Cheritto (Tom Sizemore), Trejo (Danny Trejo) y Chris Shiherlis (Val Kilmer), un joven experto en explosivos y ludópata. Y mientras planean su próximo atraco a un banco, Hanna está cada vez más cerca de ellos a causa de los malos pasos de un fugaz integrante de la banda.
Una trepidante historia donde se combina la trama criminal y policial con los problemas familiares y sentimentales de sus protagonistas, donde además ellos reconocen su mutuo respeto y admiración, aunque esto no impediría el dispararse si fuera necesario para mantenerse con vida.
Birdman
Este filme de Alejandro González Iñárritu marcó el regreso en gloria y majestad de Michael Keaton. El actor encarna aquí a una ex estrella del cine que se hiciera famoso por interpretar a un superhéroe (Birdman) y que, ya de capa caída, invierte todas sus esperanzas y energías en el montaje teatral de un cuento de Raymond Carver.
Se trata de una cinta en cierto modo autobiográfica para Keaton que, recordemos, alcanzó su punto más alto de popularidad cuando interpretó a Batman, en los 90.
Un entretenido filme que ganó el Oscar 2015 a Mejor Película y que incluye a Emma Stone, Edward Norton, Andrea Riseborough, Zach Galifianakis y Naomi Watts, entre otros, en su elenco.
El club de la pelea
Para la crítica y el público, 1999 se alza como uno de los mejores años para la cinematografía, reuniendo a lo largo de sus 12 meses el estreno de películas como Ojos bien cerrados, El sexto sentido, Belleza americana, Las vírgenes suicidas y El club de la pelea.
Una última realización, basada en la novela homónima de Chuck Palahniuk, que David Fincher dirigió tras Los siete pecados capitales y El juego. La cual, como muchas otras, tuvo un pobre desempeño en crítica y taquilla en su debut, pero con el paso de los años adquirió estatus de cinta de culto.
Y lo hizo con la historia de un ejecutivo sin nombre, El Narrador (Edward Norton), que sufre de insomnio crónico y está aburrido de su rutina, por lo que asiste a grupos de terapia fingiendo distintas dolencias. Sitios donde siempre se encuentra con otra “impostora”, Marla Singer (Helena Bonham Carter).
Pero todavía falta un nombre más que será clave en su futuro: Tyler Durden (Brad Pitt), un fabricante de jabones que conoce en un avión y se convierte en su apoyo después de perder sus posesiones. Junto al que creará un club clandestino donde desconocidos se reunirán para pelear, liberando sus frustraciones.
Uncharted: fuera del mapa
El director Ruben Fleischer asumió el desafío de llevar a la pantalla el juego creado por Amy Hennig y desarrollado por Naughty Dog, que se convirtió en un clásico entre los jugadores de consolas gracias a su mezcla de acción y aventuras, con las vivencias del intrépido Drake y a su mentor, Victor Sullivan.
Los que se presentan al público bajo la piel de Tom Holland, quien ya probó su habilidad para las escenas de acción como Peter Parker, alias Spider-Man, y Mark Wahlberg, otro “rudo” de la actuación, que en un primer momento interpretaría a Nathan Drake.
Sin embargo, la responsabilidad finalmente recayó en el actor británico, que luce bastante más joven que el personaje original.
Esta vez se unen por primera vez en la búsqueda del tesoro que habría ocultado Juan Sebastián Elcano, a través de un recorrido fílmico heredero de otras cintas de aventuras -léase Indiana Jones o Piratas del Caribe-, que entretiene a quienes no conocen el juego, mientras premia a sus fanáticos con detalles como el lema Sic Parvis Magna.
Django sin cadenas
Una de las películas más taquilleras estrenadas por Quentin Tarantino en los últimos años fue Django Sin Cadenas, que luego de su estreno en 2012 recibió un gran números de premios, entre ellos los Oscar a Mejor Guión Original y Mejor Actor de Reparto, para Christoph Waltz.
Su elenco lo completan actores de la talla de Leonardo DiCaprio y Jamie Foxx, este último el protagonista de la cinta, que encarna a Django. Él es un esclavo negro que es liberado (más bien comprado) por el doctor alemán King Schultz (Waltz), quien le enseña a manejar un arma para que se desempeñe como cazarrecompensas en sus aventuras, todo a cambio de su libertad.
Un drama lleno de acción, con alocadas y sangrientas escenas al más puro estilo de Tarantino, en que Django se convierte en la “pistola más rápida del sur” para luchar por su libertad y la de su mujer, Broomhilda.
Rey Richard: una familia ganadora
Tenacidad es la palabra que mejor engloba el relato que presenta la película biográfica que permite conocer a quien fue el verdadero arquitecto detrás de las carreras deportivas de Venus y Serena Williams: su padre.
Quien se llama Richard Dove Williams Jr. y desde que eran muy pequeñas las impulsó a convertirse en las mejores del tenis mundial, sin importar su raza ni origen social. Un plan en el que contó con el apoyo de su entonces esposa y madre de las niñas, Oracene Price.
Una historia de constancia y sacrificio, con Will Smith interpretándolo en pantalla. La cual lleva a la ciudad de Compton, una de las más problemáticas de California, de fines de los 80, lugar en que Richard y Oracene (Aunjanue Ellis) viven con sus cinco educadas hijas.
Cuando ella trabaja como enfermera y su marido se dedica a entrenar a las niñas menores, Venus (Saniyya Sidney) y Serena (Demi Singleton), ya que desde antes que nacieran habían planificado su futuro como tenistas y ejemplo para las otras chicas afroamericanas.
Por lo que reparten las horas de sus días entre el colegio, divertirse junto a sus hermanas y practicar saques, golpes y voleas en las canchas de tenis locales. Al mismo tiempo que su padre labora como guardia nocturno en un centro comercial de la ciudad.
Más allá de los dos minutos infinitos
Como inusual e hipnotizante puede calificarse la cinta dirigida por Junta Yamaguchi, que recibió el galardón como Mejor Película Asiática en el Fantasia Film Festival y fue nominada a Mejor Película en el Festival de Sitges. La misma que el público de este rincón del mundo puede ver gracias a HBO Max.
Una mezcla de comedia y ciencia ficción que realiza a través de un relato que sorprende -aunque puede confundir un tanto- y ejemplifica cómo una buena idea puede concretarse con poco presupuesto, pero mucha imaginación.
Cuya trama se inicia cuando Kato (Kazunari Tosa) concluye su jornada laboral en el café que posee y atiende en compañía de Aya (Riko Fujitani), y se dirige al departamento en que vive al costado superior de su local. Donde poco después, mientras busca la uñeta de su guitarra, recibe una inusual sorpresa.
A través de la pantalla de su computador el Kato de dos minutos en el futuro se comunica con él y le asegura que la televisión que está en el café tiene un desfase temporal. Algo que parece una locura, pero que el protagonista baja a comprobar y que luego es corroborado por Aya y sus amigos.
Todos los que desde ese momento comienzan a ser parte de una inusual experiencia, donde pueden comunicarse con ellos mismos en el futuro y vivir extrañas y hasta peligrosas situaciones. Las que también incluyen a la vecina y objeto amoroso de Kato, como también a dos policías del tiempo y el espacio.
El legado del Diablo
En los últimos años, una oleada de realizaciones ha venido a dar un renovado sentido al siempre activo género del terror. Títulos como ¡Huye!, La morgue, Fragmentado, Un lugar en silencio y Nosotros han dado inmejorables ejemplos de cómo las buenas ideas son más efectivas que un gran presupuesto.
Una lista a la que en 2018 se sumó El legado del Diablo, el primer largometraje del estadounidense Ari Aster, quien hasta esa fecha ya había logrado llamar la atención como director y guionista de cortometrajes, para luego consolidarse como guionista y realizador con la pesadilla nórdica de Midsommar (2019).
Sin embargo, en su película de hace cuatro años, Aster se ubica en Utah, EE.UU., para mostrar la inquietante historia de los Graham, la familia encabezada por Annie (Toni Collette), una artista de miniaturas que hace poco perdió a su madre, y que también integran su esposo psiquiatra Steve (Gabriel Byrne) y sus hijos.
Estos son el joven Peter (Alex Wolff) y la preadolescente Charlie (Milly Shapiro), quien era muy cercana a su abuela, por lo que cuando empieza a mostrar un extraño comportamiento se le atribuye al dolor de la pérdida. A diferencia de Annie, quien tenía una distante relación con su progenitora desde que perdió a su hermano mayor.
Pero luego de que Peter se ve obligado a llevar a Charlie con él a una fiesta con chicos de su edad, un impactante accidente en la carretera vendrá a oscurecer aún más las vidas de los Graham, en especial la de Annie, y a enfrentarlos a situaciones sobrenaturales relacionadas con el pasado de su familia.
El sacrificio del ciervo sagrado
Singular es una buena palabra para caracterizar la filmografía del realizador griego Yorgos Lanthimos, quien ya había llamado la atención del mundo con su cinta de 2015, The lobster, donde si no se conseguía pareja se era convertido en animal, y reafirmó su peculiar mirada tres años después con la premiada y monárquica La favorita.
Pero entre estos dos títulos se sitúa el particular El sacrificio del ciervo sagrado (2017), un thriller psicológico centrado en la historia de una familia y su extraña disyuntiva. La cual es conformada por el cardiocirujano Steven Murphy (Colin Farrell), su esposa Anna (Nicole Kidman) y sus dos hijos, Kim (Raffey Cassidy) y Bob (Sunny Suljic).
Después de una operación, Steven concurre a una cafetería donde conoce a un jovencito llamado Martin (Barry Keoghan) que hace una década perdió a su padre en un accidente. Al mismo que con el pasó de los días el médico convierte en su protegido, llevándolo incluso a cenar con su familia, donde llama la atención de su hija.
Algo que el chico trata de retribuir llevando a Steven a su propia casa, donde su madre trata de seducir al médico. Una extraña situación que aleja a este hombre de Martin, quien no deja de tratar de contactarse con él, en una actitud que se torna desagradable para el protagonista. Pero lo peor todavía está por venir.
De un día para otro su hijo Bob ya no siente sus piernas y comienza a sufrir de una parálisis que médicamente no tiene explicación alguna. Algo que después de unos días también le sucede a Kim, sumiendo a Steven y Anna en la angustia. Lo que se incrementa cuando descubren que todo se relaciona con una venganza.
En el barrio
En los últimos años Lin-Manuel Miranda vio como su nombre traspasaba las barreras teatrales y se convertía en figura del espectáculo, incluso fuera de las fronteras de su natal Estados Unidos, gracias a la popularidad alcanzada por el musical Hamilton y la singular mirada que este hace a la historia de los padres fundadores de esa nación.
Sin embargo, el artista de ascendencia puertorriqueña antes ya había dado vida a otra aplaudida pieza de teatro: In the heights o En el barrio, la misma que fue convertida en película a comienzos del pasado 2021, bajo la dirección de John M. Chu (Locamente millonarios) y ahora forma parte del catálogo de películas HBO Max.
Una cinta, producida por Miranda y donde él encarna un pequeño papel, que relata una colorida y musical historia que tiene como escenario Washington Heights, el barrio de Nueva York que alberga a una gran cantidad de hijos y nietos de inmigrantes latinos, entre los que se cuenta Usnavi de la Vega (Anthony Ramos).
El es el narrador de un relato donde se mezcla los ritmos del hip-hop, el rap, la salsa, el merengue y el soul, para dibujar una trama que tiene como eje su propio sueño: volver a su natal República Dominicana, donde en su niñez pasó los mejores años junto a sus desaparecidos padres en el local que ellos poseían.
Pero por el momento Usnavi -cuyo nombre lo ideó su papá luego de divisar un barco de la marina de EE.UU. que decía US Navy- se debe conformar con atender el minimarket familiar, mientras a su alrededor se desarrollan las historias de otros personajes. Como la de su interés amoroso Vanessa (Melissa Barrera).
Kimi
En los últimos años, Steven Soderbergh ha usado la plataforma de HBO Max para mostrar sus nuevas películas al mundo, una modalidad que comenzó con Let them all talk (2020), donde Meryl Streep es una novelista que aborda un crucero para tratar olvidar sus problemas, y siguió con el thriller No sudden move (2021).
Una cinta por año a la que ahora se suma para este 2022 el suspenso de Kimi, realización del director estadounidense detrás de Erin Brockovich y La gran estafa donde la tecnología tiene un rol protagónico en la forma de un asistente de voz llamada simplemente Kimi, que como Siri y Alexa ayuda a ejecutar diferentes tareas.
La cual es el último producto de la empresa tecnológica Amygdala y al inicio del largometraje es promocionada por el director general de la misma, mientras en un rincón de Seattle una de las empleadas de esta compañía se enfoca en la tarea de supervisar los datos entrantes vía los dispositivos, haciendo correcciones en su software.
Un trabajo que Angela Childs (Zoë Kravitz) realiza desde casa, ya que no solo su labor fue afectada por la pandemia, sino que porque ella además sufre de ansiedad y hace mucho no puede abandonar su departamento, por lo que el mundo lo divisa a través de su ventana o la pantalla de sus computadores y teléfono celular.
Todo se altera aún más en su vida cuando cree distinguir gritos en una de las grabaciones de alguien que usó a Kimi, empeorando cuando logra aislar el sonido y se da cuenta que es la voz de una mujer que es atacada. Pero las cosas se complican todavía más luego de que con la ayuda de un colega puede acceder a la cuenta de la usuaria.
Ocean’s 8: las estafadoras
En 2018, más de 10 años después del estreno de Ahora son 13, la última película de la serie fílmica encabezada por George Clooney como Danny Ocean, el director y guionista Gary Ross (Pleasantville: amor en colores, Los juegos del hambre) decidió revivir la saga en una cinta protagonizada solamente por mujeres.
En un adrenalínico y entretenido relato donde Sandra Bullock encarna a Debbie, la hermana del mencionado y desaparecido Ocean que acaba de cumplir una condena de cinco años en la cárcel por fraude y sale decidida a efectuar el robo del siglo: apoderarse de un millonario collar en la gala que realiza el Met de Nueva York.
Sin embargo, antes debe conformar el equipo criminal perfecto con la ayuda de su socia, Lou Miller (Cate Blanchett). El cual queda integrado por la diseñadora de modas Rose Weil (Helena Bonham Carter), la joyera Amita (Mindy Kaling), la estafadora Constance (Awkwafina), la hacker Nine Ball (Rihanna) y la reducidora Tammy (Sarah Paulson).
Las cuales se involucran en un elaborado plan que tiene como objetivo robar el Toussaint, un collar de la firma Cartier que está avaluado en US$ 150 millones y que durante la próxima gala Met lucirá en su cuello la estrella de cine Daphne Kluger (Daphne Kluger), bajo la estricta vigilancia de varios guardaespaldas.
Por lo que Debbie y compañía primero deben acercarse a Daphne, haciendo que Rose, quien estuvo muchos años en la cima de la moda, pero ahora se encuentra en la quiebra, sea su primer nexo con la egocéntrica actriz y la conviertan en su cómplice involuntaria. En el inicio de una entretenida cinta que mezcla suspenso y comedia.
Ready player one
Steven Spielberg es el director de esta película de ciencia ficción que hace algunos años llevó a la pantalla la novela homónima de Ernest Cline. Cuya narración se ambienta en 2045, cuando el planeta está saturado de personas y contaminación, por lo que el universo virtual de OASIS se convierte en la mejor forma para evadir la realidad.
Uno de sus usuarios es Wade Watts (Tye Sheridan), un muchacho experto en sus mundos y batallas que, en la forma de su avatar Parzival, dedica sus días a encontrar la clave que le permita ser el ganador del desafío final y, así, convertirse en dueño de la creación de James Halliday ( Mark Rylance) y Ogden Morrow (Simon Pegg), de Gregarious Games.
Pero detrás del control de OASIS también se encuentra la empresa Innovative Online Industries (IOI), la que dirige el codicioso Nolan Sorrento (Ben Mendelsohn), quien usa a empleados llamados “Sixers” para encontrar las claves o Easter Eggs -o función oculta en el software-, que lo lleve a poseer el famoso universo digital.
Sin embargo, sus planes serán combatidos por Wade junto a sus amigos virtuales Aech (Lena Waithe), Sho (Philip Zhao), Daito (Win Morisaki) y Art3mis (Olivia Cooke), la cual se llama realmente Samantha Cooke y con el paso del relato puede conocer en el mundo real al joven protagonista y establecer una relación más profunda con él.
Con un imponente registro visual y las cuotas de sentimentalismo que son su marca registrada, Spielberg concreta en Ready player one una adaptación fiel al despliegue de cultura pop del libro original.
Algo que por momentos limita la comprensión por parte de todo el público a sus guiños al cine, la música y los videojuegos que pueblan su relato.
La chica danesa
Lo que más llamó la atención de esta película fue la increíble transformación física del actor inglés Eddie Redmayne, quien interpreta a la protagonista, Lili Elbe, la primera mujer transgénero de la historia en someterse a una cirugía de reasignación de sexo.
El filme recorre la historia de Lili cuando aún era Einar. Es su esposa Greta (interpretada por la también excelente Alicia Vikander) quien lo alienta a desnudar su verdadero yo, en una relación que, más allá de cualquier cosa, los une férreamente el amor.
Una bonita cinta, dirigida por el inglés Tom Hooper, que muestra un interesante tema muy acorde a los tiempos que se viven.
Tenet
A causa de la pandemia, y porque Christopher Nolan no quiso que debutara vía streaming, Tenet se reveló al mundo varios meses después de la fecha en que debía llegar a los cines. Un estreno que reafirmó a Nolan como un realizador singular, que siempre ha apostado por personajes complejos y tramas que pueden confundir a los que están poco atentos.
Una realización para la cual el espectador debe estar dispuesto a poner a prueba su raciocinio y sentidos, más que en otros títulos con la firma de Nolan, como Memento (2000), la cinta con que el cineasta británico se hizo notar, o Dunkerque (2017), su particular mirada a la Segunda Guerra Mundial.
Un relato que se inicia con una escena bastante normal para las películas de espionaje, cuando terroristas irrumpen la presentación de una orquesta en la National Opera House de Kiev. Ataque que provoca la aparición de fuerzas especiales ucranianas, dentro de las cuales se infiltra un grupo de estadounidenses que tiene una misión diferente.
La cual incluye a un agente, al que se conocerá como El Protagonista (John David Washington), que debe rescatar a un dignatario que conoce la ubicación de un elemento clave. Pero luego de cumplir su misión, el espía es tomado rehén y torturado por mercenarios rusos, hasta que logra ingerir una pastilla que le quita la vida.
Sin embargo, despierta a bordo de un barco, donde uno de sus jefes le explica que estuvo varios días en coma. Aquí es donde recibe una misión que se relaciona con una nueva Guerra Fría y para la cual tendrá como salvoconducto la palabra “tenet”. En el inicio de una aventura fílmica que juega con el flujo del tiempo.
El conjuro 3: el Diablo me obligó a hacerlo
Con el debut en las salas de cine de El conjuro, en 2013, no solo se conoció al matrimonio de Ed y Lorraine Warren (Patrick Wilson y Vera Farmiga), usando su habilidad como investigadores de los paranormal para ayudar a la familia Perron, sino que además se dio inicio a una serie fílmica que en los último años fue bautizada como “El Conjuroverso”.
El que también incluye las cintas centradas en la malvada muñeca Annabelle, La Monja y La Llorona, como también a las secuelas con las aventuras de los Warren: El conjuro 2, donde la pareja viaja Inglaterra de fines de los 70 para ayudar a una madre soltera y sus hijos, y El conjuro 3: el diablo me obligó a hacerlo.
Un largometraje que ya no es dirigido por James Wan, el nombre clave tras la saga de terror, sino que por Michael Chaves (La maldición de La Llorona), y que se ambienta a inicios de los años 80 en Brookfield, una tranquila localidad vecina a Connecticut, donde viven los demonólogos con su hija.
Los mismos que han visitado el lugar para exorcizar a David (Julian Hilliard), un niño poseído por un demonio. Una práctica que realizan junto al Padre Gordon (Steve Coulter), los padres del pequeño, Carl y Judy (Paul Wilson y Charlene Amoia), su hermana Debbie (Sarah Catherine Hook) y el novio de ésta, Arne (Ruairi O’Connor).
Este último es un muy cercano a David, por lo que en un momento del conjuro que realizan los Warren, y parece no surtir efecto, él se ofrece para albergar al demonio.
Pero finalmente el exorcismo concluye, dejando a Ed en el hospital tras sufrir un ataque al corazón y a Arne como el nuevo poseído, como solo lo sabe el público y un inconsciente Ed.
Batman: el caballero de la noche
Christopher Nolan llevó al superhéroe enmascarado a un nivel superior con su aclamada trilogía.
Partió en 2005 con Batman inicia y continuó tres años después con el El caballero de la noche, considerada la mejor de las tres películas y, para muchos, una obra maestra.
En esta secuela, Batman (Christian Bale) ya es respetado como el justiciero de Ciudad Gótica y debe enfrentarse a las mafias y su fechorías.
Una misión compleja, porque aquí los criminales tienen un aliado de temer: el Guasón, interpretado por un soberbio Heath Ledger, quien ganó un Oscar por este papel (el actor falleció antes del estreno de la película).
Es cine con mayúsculas, con espectaculares escenas de acción y un reparto que incluye también a Michael Caine, Gary Oldman, Maggie Hyllenhall, Morgan Freeman y Aaaron Heckhart.
Animales fantásticos: los secretos de Dumbledore
La tercera película en torno a Newt Scamander amplía el universo sobre hechiceros que habitan la Tierra que surgió de los libros y películas de Harry Potter.
El que se inició no en la misma época que el joven mago, sino que en los años 20, cuando Scamander (Eddie Redmayne) llegó a Nueva York y conoció a Jacob Kowalski (Dan Fogler) y a Queenie y Tina Goldstein (Alison Sudol y Katherine Waterstone).
Donde junto a ellos enfrentó a villanos como Credence Barebone (Ezra Miller), para luego en la secuela combatir los planes del poderoso Gellert Grindelwald (Johnny Depp), con la ayuda del entonces profesor Albus Dumbledore (Jude Law).
Y es precisamente Dumbledore quien se roba parte del protagonismo de esta tercera entrega junto a un renovado Grindelwald, quien ahora es encarnado por el actor danés Mads Mikkelsen (Otra ronda).
Nuevamente Scamander lidera al grupo que debe evitar los planes de Grindelwald para dominar al mundo de hechiceros y eliminar a los muggles, en un reencuentro con varitas, sortilegios y singulares criaturas, donde casi toda la acción transcurre en escenarios nocturnos o días marcados por cielos amenazantes, que le confieren a la cinta mayor suspenso y sentido de amenaza.
Moonlight
Dirigida por el talentoso director estadounidense Barry Jenkins, esta cinta es una pequeña joya que hay que ver más de una vez. Lo merece.
El filme está dividido en tres partes, con la infancia, adolescencia y madurez de Chiron, un joven afroamericano, huérfano de padre, que crece en un suburbio de Miami y que afronta serias dificultades para relacionarse con su entorno y vivir su homosexualidad.
Con un elenco encabezado por Mahershala Ali, no sólo conmueve, sino que muestra la realidad de esos barrios escondidos en que la crueldad, las miserias, la droga y los problemas afectivos son parte del día a día.
Una historia ganadora de tres premios Oscar, entre ellos el de Mejor Película, que se llevó en una confusa ceremonia donde los presentadores, Faye Dunaway y Warren Beatty, anunciaron por error que la triunfadora era La La Land.
El Escuadrón Suicida
Fue en 2016 que David Ayer dirigió la primera película en torno al grupo de antihéroes de DC Comics que a lo largo de los años han tenido diferentes versiones en sus historietas. En la cual se mostró como la oficial de inteligencia Amanda Waller (Viola Davis) reunió a súper villanos para detener a Enchantress (Cara Delevingne).
Un equipo conocido como Task Force X, encabezado y vigilado por el Coronel Rick Flag (Joel Kinnaman), que incluía a Deadshot (Will Smith) y Harley Quinn (Margot Robbie). A los cuales se les habían implantado micro bombas en la parte baja de sus cerebros, que Waller haría explotar si no cumplían su labor.
Algunos de los personajes que se repiten en la versión de El Escuadrón Suicida que James Gunn (Guardianes de la Galaxia) realizó hace poco y se puede disfrutar en la plataforma de HBO Max.
Un relato que mezcla de buena manera comedia y acción -bastante sangrienta y violenta-, cuya narración se inicia en la cárcel de Belle Reve.
Donde Waller nuevamente recluta a un renovado equipo de criminales. Entre los que se cuenta Savant (Michael Rooker), un experto en defensa personal; Weasel (Sean Gunn), una comadreja mataniños, Blackguard (Pete Davidson), y los ya conocidos Boomerang y Harley Quinn, nuevamente bajo la guía del Coronel Flag.
Su misión: llamar la atención de las fuerzas militares de Corto Maltese, una isla ubicada frente a las costas de Latinoamérica y manejada por un dictador, mientras otro grupo de “suicidas” llega a otra playa de ese territorio en medio de la noche. Los que son liderados por el mercenario Bloodsport (Idris Elba).
Tiburón
Puede que la hayas visto más de una vez en el cable o en esas tardes de cine en la TV abierta. Pero es que uno nunca se cansa de la criatura más aterradora de los 70.
En 1975, Steven Spielberg inauguró la saga de Tiburón con esta cinta, que se convirtió en un blockbuster y en un clásico de las películas de terror.
Inspirada en la novela homónima de Peter Benchley, ahonda en el miedo colectivo de este animal marino que acecha las costas y que es capaz de convertir unas plácidas vacaciones en un tragedia.
El de este filme es un tiburón blanco que causa el pánico entre los bañistas de la playa de Amity Island y que nos hace gritar de susto mientras suena la icónica música que creó John Williams.
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